Trabalho de câmera

Trabalho de câmera

Alfred Stieglitz estabeleceu o trimestral Trabalho de câmera em 1903. Cinqüenta edições foram publicadas antes de ser descontinuado em junho de 1917. Durante este tempo, Stieglitz estabeleceu Trabalho de câmera como a mais importante revista de fotografia.

Stieglitz publicou o trabalho de uma série de fotógrafos em Trabalho de câmera, incluindo Lewis Hine, Gertrude Kaswbier, Clarence White, Alvin Longdon Coburn e Edward Steichen. Em 1913, Alfred Stieglitz dedicou uma edição dupla do jornal às fotografias de Steichen. Ele escreveu na revista: "Nada do que eu fiz me deu tanta satisfação quanto finalmente enviar este número ao mundo". A última edição contou com a obra de Paul Strand, o homem que Stieglitz considerava o fotógrafo mais importante da época.


Uma breve história do flash da câmera, de pó explosivo a luzes LED

A primeira fotografia conhecida foi tirada em 1826, quando a luz reagiu com um tipo particular de asfalto conhecido como Betume da Judéia. Desde aquela primeira foto com luz natural, os fotógrafos introduziram a iluminação artificial com flash em fotos de todos os tipos. Neste post, vamos dar uma olhada em uma breve história do flash da câmera & # 8212 desde seu início humilde com pólvora explosiva e metal queimando até as últimas luzes LED & # 8212 para ver o quão longe ele chegou.

Pó Flash

Se você assistiu a algum filme que retratava a vida no século XIX, pode ter testemunhado um fotógrafo segurando uma bandeja que repentinamente produz um flash brilhante e um grande estrondo. Em algumas comédias pastelão, uma nuvem de fumaça pode então se dissipar, mostrando o fotógrafo em pé com o rosto enegrecido. Essa técnica utilizou o que hoje chamamos de pó instantâneo.

O pó instantâneo é uma composição de combustível metálico e um oxidante como o clorato. Quando a mistura é inflamada, ela queima extremamente rapidamente, produzindo um flash brilhante que pode ser capturado em filme. Antes de ser usado para fotografia, o pó do flash era comumente usado em produções teatrais e em fogos de artifício & # 8212, uma prática que continuamos até hoje.

A necessidade de acender o pó do flash manualmente era um empreendimento extremamente perigoso que poderia ferir gravemente o fotógrafo e as pessoas que estivessem nas proximidades. Como resultado, uma solução mais segura teve que ser concebida que pudesse pegar fogo e ao mesmo tempo reduzir a chance de um rosto se queimar. Um pouco de segurança melhorada veio da lâmpada de flash projetada em 1899.

Lâmpadas de flash

Joshua Lionel Cowen, um inventor mais conhecido por seus modelos de ferrovias e trens de brinquedo Lionel, e o fotógrafo Paul Boyer, introduziram a lâmpada de flash pouco antes da virada do século XX. O projeto tinha uma calha que continha o flash em pó para depois ser acesa por eletricidade de uma bateria de célula seca.

Uma lâmpada de flash Victor de 1909. Foto de Race Gentry

A lâmpada do flash era normalmente conectada ao obturador das caixas da câmera, permitindo que o flash fosse ativado enquanto o fotógrafo tirava a fotografia. O mecanismo de flash pode ser colocado em um tripé longe da câmera para ativação. Também é possível conectar várias lâmpadas de flash para serem acesas ao mesmo tempo quando em série.

Uma solução alternativa, desenvolvida por Bunsen e Roscoe, foi acender uma fita de magnésio que reproduzia uma temperatura leve semelhante à luz do dia durante a queima. Os fotógrafos cortavam a tira de metal dependendo da duração de sua exposição e a acendiam para iluminar seus assuntos. Apesar da ideia de Bunsen e Roscoe ter surgido primeiro, o pó do flash foi mais amplamente adotado por fotógrafos em busca de um pouco de luz artificial.

Um anúncio de lamparina de Victor. Foto de Jussi

Embora a lâmpada de flash fosse capaz de tornar a prática da fotografia com flash um pouco mais segura, ainda era muito perigosa quando comparada aos padrões de hoje. Os fotógrafos ainda se machucaram na prática e, em alguns casos, morreram enquanto tentavam preparar o pó para uso. Felizmente, uma nova solução estava ao virar da esquina.

Lâmpadas de flash

Uma lâmpada de flash fotográfico. Foto de Gotanero

Em 1927, as primeiras lâmpadas de flash foram produzidas pela General Electric (alguns argumentam que foram inicialmente feitas pela empresa Vacublitz na Alemanha). Em vez de acender pó de magnésio ao ar livre, os flashes eram lâmpadas fechadas que continham um filamento de magnésio junto com o gás oxigênio. As lâmpadas iniciais foram projetadas de vidro, mas mais tarde foram trocadas por plástico quando foi descoberto que a ignição do magnésio poderia quebrar a lâmpada.

Claro, as lâmpadas de flash estavam longe de ser a solução perfeita: as lâmpadas tendiam a ser incrivelmente frágeis e só podiam ser usadas uma vez. Além disso, as lâmpadas costumavam ficar quentes demais para serem manuseadas após serem acesas. Os fabricantes acabaram substituindo o magnésio por zircônio de queima mais brilhante para um flash mais poderoso.

Algumas peculiaridades interessantes das lâmpadas de flash incluem o fato de que o tempo necessário para atingir o brilho total e a duração máxima do flash eram mais longos do que as unidades de flash eletrônicas de hoje. Como resultado, câmeras com recursos de sincronização de flash normalmente disparam a lâmpada do flash antes de abrir o obturador para expor o filme.

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Flashcubes e flipflash

Como você pode esperar, a troca constante de flashes pode se tornar um pouco irritante para o fotógrafo comum. Como resultado, a Kodak lançou o Flashcube no final dos anos 1960. O flashcube continha quatro flashes diferentes para uso. Simplesmente tire uma fotografia e gire o cubo para usar a próxima lâmpada. Os fabricantes rapidamente perceberam essa ideia e começaram a criar suas próprias soluções compactas.

A primeira solução não Kodak foi o General Electric Flipflash, que organizou de oito a dez flashes em duas fileiras. Um fotógrafo poderia conectar o cartucho, disparar de quatro a cinco fotos e, em seguida, virar a unidade para acessar as outras quatro a cinco lâmpadas. Outras empresas, incluindo Phillips, Polaroid e Sylvania, também lançaram suas próprias versões do Flipflash enquanto navegavam cuidadosamente pelas patentes de produtos da General Electric.

Um flash de câmera Flipflash. Foto de Windell Oskay.

Flash Eletrônico

O que a indústria precisava, no entanto, era um flash que não morresse depois de ser disparado uma vez. Em 1931, o professor de Engenharia Elétrica Harold Egerton começou a trabalhar no primeiro tubo de flash eletrônico. Foram necessários muitos aprimoramentos e custos reduzidos para que os dispositivos finalmente se tornassem populares na segunda metade do século XX.

Flashes eletrônicos viriam a usar um capacitor para armazenar energia para uso posterior. Quando um flash eletrônico é disparado, o capacitor libera sua energia através de um tubo de flash, que é preenchido com gás que produz uma luz intensamente brilhante por um período muito curto. A sincronização excelente, junto com a capacidade de alterar a intensidade em tempo real, fez dos flashes eletrônicos a solução dominante, enquanto empurrava os flashes para a obsolescência.

Hoje, usamos flashes eletrônicos em estúdios e em movimento para iluminar nossos assuntos e cenas. Tubos dentro de flashes eletrônicos são normalmente preenchidos com gases de xenônio e têm uma vida útil relativamente longa antes de precisarem ser substituídos por uma unidade inteiramente nova.

Com o advento da tecnologia sem fio, vários flashes também podem ser colocados fora da câmera e sincronizados sem a necessidade de uma configuração complicada. Agora também temos flashes de alta velocidade que podem descarregar luz em extremamente curtos períodos de tempo.

Flashes LED

A menos que você esteja carregando um Nokia Lumia 1020, provavelmente seu smartphone não contém um flash xenon. Os smartphones atuais usam flashes de LED como fonte de luz ao fotografar em condições de pouca luz.

Os LEDs não são nem de longe tão poderosos quanto os flashes de xenônio, mas têm uma voltagem mais baixa e são minúsculos & # 8212 perfeitos para o bolso. Algumas empresas (por exemplo, Apple e Nokia) integraram flashes LED de duas cores em smartphones para ajudar a produzir tons de pele mais naturais.

E aí está: uma breve história do flash da câmera, desde suas origens até agora!

Créditos da imagem: Ilustração do cabeçalho com base na foto de Dan Eckert, foto com flash em pó de Conejo de


Anos 1800

No início de 1800, a câmera obscura se tornou uma caixa portátil à prova de luz que continha materiais e produtos químicos que registrariam momentaneamente a imagem através da lente. As câmeras criadas em 1800 foram frequentemente criadas tanto pela aparência quanto pela funcionalidade. Por exemplo, madeiras nobres foram usadas com acessórios de latão para mostrar o equipamento. A madeira tinha vantagem sobre o metal, pois era mais leve e a câmera podia ser maior, o que daria ao fotógrafo mais movimento e extensão. A madeira também era excepcional para amortecer a vibração, o que poderia afetar uma câmera de metal e desfocar a imagem. Por outro lado, as câmeras de metal tinham a vantagem de menos flexibilidade para extensões longas. As câmeras de metal podem ser derrubadas com poucos danos, enquanto as câmeras de madeira podem ser estilhaçadas se atingirem o chão.

Em 1816, Joseph Niépce e seu irmão Clyde produziram com sucesso um negativo de papel a partir da imagem. Quando eles imprensaram esse negativo com outro pedaço de papel sensibilizado, uma imagem positiva apareceu. Infelizmente, ainda não havia como tornar essas imagens permanentes.

Niépce decidiu usar placas de estanho revestidas com betume da Judéia, que era um verniz asfáltico que endurecia quando exposto à luz. Ele originalmente expôs essas placas a um pouco de luz por meio de uma gravação com óleo em um pedaço de papel e lavou as placas com um solvente após a exposição para remover as partes endurecidas da imagem. Isso criou uma representação positiva da gravação em uma placa de metal, que foi chamada de heliógrafo. A placa foi então gravada com ácido, pintada e impressa.

Niépce decidiu colocar as placas sensíveis à luz dentro de uma câmera e expô-las, o que produziu as primeiras fotografias permanentes por volta de 1826. A câmera precisou de cerca de oito horas para a exposição adequada. Essas imagens positivas eram muito fracas para impressão repetida, então as fotos eram únicas. Este processo não utilizou o sal de prata sensível à luz e pode reproduzir a imagem em tons claros e escuros sem cor. Ele continuou tentando melhorar seu processo.

Outro francês, Louis Jacques Mandé Daguerre, usou a câmera para seus esboços e experimentos com os sais de prata fotossensíveis mais ou menos na mesma época que os experimentos de Niépce. Eventualmente, Niépce e Daguerre trabalharam juntos para continuar suas pesquisas. Daguerre finalmente usou uma folha de cobre banhada a prata que havia sido polida e vaporizada com um vapor de iodo para produzir o iodeto de prata sensível à luz na superfície da placa. Essa placa foi então colocada na câmera e exposta à imagem. A placa foi tratada após a exposição com os vapores do mercúrio aquecido para produzir uma imagem mais forte e visível, que foi então fixada com água salgada. Isso produziu uma imagem prateada, delicada e monocromática que era única. Daguerre chamou sua invenção de daguerreótipo.

Giroux Alphonse Daguerreotype Camera

A invenção de Daguerre foi trazida aos olhos do público na Academia de Ciências em 1839, e o governo francês começou a fornecer pensões a Daguerre e Niépce em troca dos direitos da invenção. As pessoas ficaram fascinadas com a câmera e as imagens que ela produziu, e isso levou o pintor francês Paul Taylor Roche a declarar que a pintura estava morta para sempre. Daguerre projetou a primeira câmera fabricada comercialmente em 1839, que foi feita por Alfonse Giroux em Paris. Consistia em uma câmera dupla caixa baseada no trabalho experimental realizado por Daguerre. Esta câmera de visualização apresentava uma lente de paisagem F / 15 acromática de 15 polegadas que foi fabricada por um fabricante de instrumentos e óticos parisiense chamado Chevalier.

Em 1839, William Henry Fox Talbot, da Inglaterra, aprendeu sobre a nova tecnologia fotográfica. Ele havia começado a experimentar esses processos em 1834 e, ao aprender sobre a invenção de Niépce e Daguerre, trouxe a sua própria invenção para a Royal Institution e a World Society no final daquele janeiro. Ele usou papel sensibilizado com cloreto de prata, sobre o qual colocou objetos. Eles foram expostos à luz no que hoje são chamados de fotogramas. Mais tarde, ele expôs o papel a uma imagem na câmera para produzir uma imagem negativa que fixou banhando o papel em água salgada. Ele então criaria uma imagem positiva colocando-a contra uma segunda folha de papel sensibilizado e expondo ambas à luz usando o método de impressão por contato. Talbot continuou a trabalhar com sua câmera para inventar o calótipo e, durante esse tempo, sensibilizou o papel com iodeto de prata. A exposição à luz produziria uma imagem latente, no entanto, ele aprendeu que essa imagem negativa poderia se tornar visível com um desenvolvimento químico em uma segunda lavagem de galonitrato de prata. A impressão foi então fixada com uma solução de brometo de potássio. O desenvolvimento desta imagem latente resultou em menos tempo de exposição. A imagem negativa foi então impressa em contato com outra folha de papel sensibilizada para produzir uma imagem positiva.

Nos anos seguintes, outros inventores tentaram melhorar o processo fotográfico. Um inglês, Sir John Herschel, descobriu que o tiossulfato de sódio fornecia um verdadeiro fixador para as imagens. Ele originalmente identificou erroneamente a substância como hipossulfito de sódio e apelidou a substância de hipo. Este termo ainda é usado hoje para fixador de fotografia.


Registro do histórico de acesso à câmera

Oi Stefan. Sou Greg, especialista em instalação, Windows MVP de 10 anos e moderador voluntário para ajudá-lo.

Não há registro, mas você pode ver quais aplicativos têm permissão para acessar a câmera aqui:
https://www.howtogeek.com/424862/how-to-see-whi.

Também mais sobre as maneiras fornecidas pela Microsoft para restringir a câmera aqui:
https://support.microsoft.com/en-us/help/446823.

Eu espero que isso ajude. Sinta-se à vontade para responder a quaisquer perguntas e manter-me informado. Se você esperar para escolher se resolvi seu problema, continuarei trabalhando com você até que seja resolvido.

Isenção de responsabilidade padrão: há links para sites que não são da Microsoft. As páginas parecem fornecer informações precisas e seguras. Fique atento aos anúncios nos sites que podem anunciar produtos frequentemente classificados como PUP (produtos potencialmente indesejados). Pesquise exaustivamente qualquer produto anunciado nos sites antes de decidir fazer o download e instalá-lo.

Milhões ajudaram por meio de meus tutoriais e pessoalmente em fóruns por 12 anos. Agora um conselheiro independente.


30 filmes com o trabalho de câmera mais brilhante

O cinema é a única forma de arte capaz de utilizar e combinar todas as outras artes e de maneiras tão inspiradoras que pode produzir uma nova forma de expressão humana completa, logo uma arte nova e “sui generis” em si. No entanto, como em toda forma de arte, alcançar um status artístico confirmado ou aclamado não é uma questão de autodeclaração, mas de bens específicos. Talvez o mais crítico de todos esses ativos no filme não seja outro senão o trabalho da câmera.

O posicionamento e o movimento da câmera são um dos aspectos mais importantes em toda produção de filme. Representa a visão geral do diretor, a habilidade do diretor da fotografia principal e sua colaboração contínua ao longo do processo de filmagem. Desde o início dos filmes na primeira década do século 20, muitas das técnicas pioneiras foram usadas extensivamente, maximizando não apenas as possibilidades das tecnologias de câmera de cada época, mas também o nível de arte no cinema.

Capturas de rastreamento, fotos de guindaste, várias câmeras gravando a mesma cena de ângulos diferentes, "ângulos holandeses", tomadas longas, o uso de foco profundo, o uso de lentes grande angular e zoom e fotos intencionalmente instáveis ​​por meio de uma câmera portátil , são formas diferentes de tornar um filme mais bonito e mais rico em significados e simbolismos. Some-se a isso os benefícios da pós-produção (edição, efeitos especiais, trilha sonora), e fica claro que o cinema não tem limites em sua potência criativa.

Quaisquer cineastas que dominam todas as técnicas clássicas de câmera mencionadas acima e têm a sorte de ter um roteiro bem escrito em mãos, além de uma equipe eficiente para cercá-los, atendem aos requisitos para fazer um bom filme.

Mas para fazer um grande filme, você precisa de um pouco daquela magia extra que separa os verdadeiros visionários do meio (aqueles que desafiam o público a segui-los em seus empreendimentos cinematográficos, muitas vezes intransigentes e não convencionais) dos artesãos habilidosos (aqueles que dependem de seus conhecimentos técnicos para impressionar o maior número possível de telespectadores, incorporando o fator “entretenimento” em seus trabalhos).

Como Aristóteles cita, “o objetivo da arte é representar não a aparência externa das coisas, mas seu significado interno”. A lista a seguir é uma seleção de 30 filmes (por favor, não preste muita atenção à sua encomenda, é de importância secundária), de diferentes épocas, gêneros e movimentos cinematográficos, que cumprem esse objetivo por contar muito com seu brilhante trabalho de câmera. Esses filmes não são necessariamente revolucionários em termos de avanço tecnológico, mas são em termos de virtuosismo artístico.

Dirigido por Fernando Meirelles e Kátia Lund
Cinematografia de César Charlone

Um dos filmes de crime mais comoventes do século 21 até agora, “Cidade de Deus” é uma história de amadurecimento que consegue apontar o comentário social irrestrito em torno da história recente do crime organizado no Brasil.

A narrativa subjetiva, quadros congelados e tomadas de cena arrebatadoras são claramente influenciadas pela cinematografia em “Goodfellas” de Martin Scorsese (embora o diretor Fernando Meirelles use um estilo narrativo não linear, além de muitos atores amadores de favelas, que também são elementos-chave para o representação do estilo de vida desordenado das gangues), mas a câmera de César Charlone tem vida própria, totalmente dependente da época em que os eventos ocorreram de forma viva e furiosa no final dos anos 60, mais estática e centrada no personagem durante a maior parte de anos 70, e documentário na fase mais madura dos protagonistas (anos 80).

Dirigido por Jean-Luc Godard
Cinematografia de Raoul Coutard

Uma joia da New Wave francesa, "Band Of Outsiders" é muito mais acessível do que as contribuições anteriores de Jean-Luc Godard para o movimento ("Breathless", "Desprezo", "Vivre Sa Vie"), principalmente por causa da forma narrativa divertida, e o charmoso enredo do triângulo amoroso / roubo.

Na maior parte do tempo, é um road movie despreocupado no centro da cidade, em que a câmera foca nos "forasteiros" enquanto eles dirigem, conversam, dançam e correm por toda Paris (há três cenas específicas que permanecem altamente influentes & # 8211 se você está familiarizado com a cena da dança em “Pulp Fiction”, você certamente verá a conexão, em termos de estilo, fornecendo um retrato vibrante da vida da cidade e homenageando a juventude ao mesmo tempo.

Dirigido por Akira Kurosawa
Cinematografia de Asakazu Nakai

Esta reunião heróica de samurai é um dos filmes mais respeitados e influentes de todos os tempos e uma das poucas fatias realmente convincentes da vida dos séculos anteriores (Kurosawa e Tarkovsky são provavelmente os maiores de todos os tempos nesse departamento).

Não há nenhum segredo particular por trás do sucesso do filme, a não ser a persistência do criador em tirar o máximo proveito de cada situação. Isso se traduziu em um set construído no local desde o início, a fim de obter as melhores performances de seu elenco, e o uso inovador (na época) de múltiplas câmeras para as sequências de ação.

Dirigido por Ken Loach
Cinematografia de Chris Menges

“Kes” é indiscutivelmente o melhor drama britânico de todos os tempos, o melhor de todos os filmes de realista social de Ken Loach e, possivelmente, o mais belo filme inspirado no neorrealismo italiano.

Chris Menges emprega algumas fotos de longa distância para tirar proveito do cenário contrastante de South Yorkshire. Em uma extremidade, está a bela paisagem verde (o lugar onde um menino como Billy & # 8211 a estrela principal do filme & # 8211 pode desfrutar de um pouco de paz, longe do bullying na escola e das brigas em casa), enquanto do outro lado, as pequenas cidades calmas, mas deprimentes, com uma visão clara das minas e estabelecimentos industriais próximos (o destino de vida mais provável para todos os jovens da região). Essas imagens dão o tom para o que está por vir, enquanto o uso de atores não profissionais falando o dialeto de Yorkshire dá um toque de documentário ao filme.

Dirigido por Francis Ford Coppola
Cinematografia de Vittorio Storaro

Superficialmente, esta aventura épica pode parecer uma poesia de guerra exagerada, mas na realidade é um estudo completo da natureza humana.

Coppola (junto com John Milius que co-escreveu o roteiro) usou a Guerra do Vietnã como veículo para sua história e filmou nas Filipinas. Na maior parte do filme, a câmera se move lentamente e serve como o ponto de vista do Capitão Willard. Sua jornada no rio para a selva a fim de detectar e encerrar as operações não autorizadas do Coronel Kurtz, ecoa visualmente a busca de Lupe de Aguirre por El Dorado ("Aguirre, Wrath Of God" de Herzog foi uma grande influência em Coppola), mas também existem alguns surreais sequências de guerra modernas acontecendo ao longo do caminho.

25. Shadows Of Forgotten Ancestors (1965)

Dirigido por Sergei Parajanov
Cinematografia de Viktor Bestayev e Yuri Ilyenko

Um tipo de história & # 8220Romeo & amp Juliet & # 8221, "Shadows Of Forgotten Ancestors" é um filme com fortes elementos naturalistas e simbolismo (uma das principais razões por trás da condenação de Parajanov à morte artística dentro da União Soviética).

O movimento frenético da câmera se mistura com cores intensas, trajes e a música folclórica única das montanhas dos Cárpatos, e o resultado é uma celebração sublime da cultura hutsul. Este é um filme que poderia ter sido feito sem nenhum diálogo que a câmera fala, pois estamos testemunhando uma explosão de pura genialidade cinematográfica.

Dirigido por Max Ophüls
Cinematografia de Philippe Agostini e Christian Matras

“Le Plaisir” é uma antologia de três contos dramáticos, todos associados ao prazer, e uma obra-prima típica de Ophüls.

Em cada história, há uma série de tomadas virtuosísticas de dolly das reuniões dos personagens básicos, que dão um tom romântico a todo o projeto. Quanto à primeira história em particular, embora seja a menor em termos de duração, ela permanece surpreendente mesmo para os padrões de hoje. Começa com extraordinárias tomadas de “ângulo holandês”, que pavimentam o caminho para a esplêndida tomada longa da cena de dança de salão, e o resto é história.

“Down by Law” é um clássico da comédia cult em preto e branco de um dos mais originais cineastas indie americanos, que teve a sorte de ter Robby Müller por trás das câmeras, e um ainda desconhecido Roberto Benigni na frente dela (ao lado de Tom Waits e John Lurie) falando inglês. O resultado foi uma rara mistura de humor surrealista e beleza pessimista.

Müller usou câmera lenta e iluminação natural diurna e noturna, que eram perfeitos para os três solitários do filme, as ruas vazias de Nova Orleans e a trilha sonora hipnótica de Waits e Lurie (tanto os compositores quanto as estrelas do filme).

Dirigido por Terrence Malick
Cinematografia de Néstor Almendros e Haskell Wexler

Um drama romântico de época ambientado no Texas Panhandle (o local real das filmagens foi a cidade fantasma de Whiskey Gap, Alberta, Canadá) e narrado do ponto de vista de uma garotinha, “Dias do Paraíso” é um dos exemplos mais notáveis ​​do estilo americano cinema de arte.

As imagens que aparecem na tela são algumas das mais cativantes do filme, e a teimosia de Malick em filmar diariamente durante a "hora mágica" (20-25 minutos após o nascer do sol ou antes do pôr do sol) foi o principal motivo do sucesso artístico do filme .

Dirigido por Paul Thomas Anderson
Cinematografia de Robert Elswit

Uma emocionante história de maioridade de fama e decadência, este filme ofereceu originalidade e um elenco de conjunto brilhante quando foi lançado há 18 anos. Acima de tudo, marcou o primeiro grande avanço para uma das vozes mais importantes do cinema de nosso tempo.


Câmeras de vídeo digitais modernas

As câmeras de vídeo profissionais já percorreram um longo caminho desde o lançamento da câmera digital de 1,4 megapixels. No início dos anos 2000, a Sony desenvolveu as primeiras câmeras de vídeo digital de alta definição. Hoje, o vídeo digital de alta resolução não está mais confinado ao domínio do estúdio de televisão. Câmeras de vídeo digitais profissionais de última geração são usadas para filmes independentes, séries da web e propósitos de hobby.

No reino das mãos, a filmadora familiar da década de 1980 passou por uma evolução mais suave para o digital. Só em 2003 a Sony lançou a primeira camcorder de vídeo digital que eliminou totalmente a necessidade de fita.

Essas câmeras de vídeo digitais portáteis encontram uso em projetos de filmes domésticos a filmes profissionais. O filme de 1994 do célebre diretor de terror Michael Almereyda, Nadja, usa notavelmente uma das primeiras câmeras de vídeo digital fabricadas pela Fisher-Price em certas sequências por seu efeito corajoso e de baixa resolução. Esses dispositivos manuais também contribuíram muito para o jornalismo ao vivo, bem como para o primo casual do jornalismo, "vlogging", que é um videoblog ao vivo em sites como o YouTube.


Como funciona uma câmera? Um guia simples para iniciantes e rsquos sobre como usar uma câmera

Todos os dias, 1,8 bilhão de fotos são compartilhadas na web, pausando a vida e transformando momentos em pixels digitais de informação. Mas como uma câmera pega algo que vemos e o transforma em pixels digitais? Como as câmeras conseguem congelar o tempo?

A fotografia é, na verdade, tanto uma ciência quanto uma arte e mdash, mas a grande maioria não percebe o que acontece toda vez que pressiona o botão da câmera ou abre um aplicativo de câmera de smartphone. Então, como funciona uma câmera? Aqui & rsquos o que acontece toda vez que você pressiona esse botão & mdash e como usar uma câmera para tirar melhores fotos.

O básico: luz e como as primeiras câmeras funcionavam

Imagine que você está no meio de uma sala sem janelas, portas ou luzes. O que você vê? Bem, nada porque não há luz. Agora imagine você puxando uma lanterna e ligando-a. A luz da lanterna se move em linha reta. Quando esse feixe de luz atinge um objeto, a luz é refletida nesse item e em seus olhos, permitindo que você veja o que quer que esteja dentro da sala.

Todas as luzes se comportam exatamente como aquela lanterna e viaja em linha reta. Mas a luz também ricocheteia nos objetos, que é o que nos permite ver e fotografar objetos. Quando a luz é refletida em um objeto, ela continua a viajar em linha reta, mas é refletida de volta no mesmo ângulo em que vem.

Isso significa que os raios de luz estão essencialmente refletindo em todos os lugares, em todos os tipos de direções diferentes. A primeira câmera era essencialmente uma sala com um pequeno orifício em uma das paredes laterais. A luz passaria por esse orifício e, como ela é refletida em linhas retas, a imagem seria projetada na parede oposta, de cabeça para baixo. Embora dispositivos como esse existissem muito antes da verdadeira fotografia, não era comum até que alguém decidisse colocar um material sensível à luz no fundo da sala em que a fotografia nasceu. Quando a luz atingiu o material, que ao longo da história da fotografia foi feito de coisas do vidro ao papel, os produtos químicos reagiram à luz, gravando uma imagem na superfície.

Como funciona uma câmera? As lentes

Como a primeira câmera não capturou muita luz, na verdade demorou oito horas para tirar uma única fotografia. A imagem também estava bastante borrada. Então, como podemos tirar imagens nítidas em milissegundos hoje? Uma lente de câmera.

Embora a luz seja refletida nos objetos, ela também pode passar por eles & mdash mas, quando o faz, pode realmente mudar de direção. Uma lente de câmera pega todos os raios de luz que saltam e usa vidro para redirecioná-los a um único ponto, criando uma imagem nítida.

Quando todos esses raios de luz se reencontram em um sensor de câmera digital ou um pedaço de filme, eles criam uma imagem nítida. Se a luz não se encontrar no ponto certo, a imagem ficará desfocada ou fora de foco. Um sistema de foco de lente e rsquos move a peça de vidro para mais perto ou mais longe do sensor ou filme, permitindo que o fotógrafo ajuste a lente para que o objeto seja nítido.

A distância também desempenha um papel na forma como as lentes da câmera podem aumentar o zoom. Quando o vidro frontal se move para longe do sensor da câmera, os objetos ficam mais próximos. O comprimento focal é a medida da distância entre o local onde os raios de luz atingem a lente e o local onde alcançam o sensor da câmera. Por exemplo, em uma lente com uma distância focal de 300 mm, a luz leva 300 mm para ser direcionada de volta a um ponto agudo no sensor da câmera. Uma lente de 300 mm é considerada uma telefoto, ou uma lente que é capaz de aproximar objetos distantes.

Como funciona uma câmera? Sensores de filme e digital

A lente de uma câmera coleta e focaliza a luz & mdash, mas como essas informações são registradas? Historicamente, os fotógrafos também eram uma espécie de químicos. O filme é feito de materiais sensíveis à luz. Quando esses materiais são atingidos pela luz da lente, eles capturaram a forma dos objetos e detalhes como a quantidade de luz que sai deles. Na sala escura, o filme que foi exposto à luz é novamente colocado em uma série de banhos químicos para eventualmente criar a imagem.

Então, como funcionam as câmeras digitais? Embora as lentes, técnicas e termos sejam os mesmos, uma câmera digital e um sensor rsquos se parecem mais com um painel solar do que com uma tira de filme. Cada sensor é dividido em milhões de pixels vermelhos, verdes e azuis (ou seja, megapixels). Quando a luz atinge o pixel, o sensor a converte em energia e um computador embutido na câmera lê quanta energia está sendo produzida.

Medir quanta energia cada pixel possui permite que o sensor determine quais áreas da imagem são claras e escuras. E como cada pixel tem um valor de cor, a câmera e o computador rsquos são capazes de estimar as cores na cena observando o que outros pixels próximos registraram. Juntando as informações de todos os pixels, o computador consegue aproximar as formas e cores da cena.

Se cada pixel estiver coletando informações de luz, os sensores da câmera com mais megapixels serão capazes de capturar mais detalhes. É por isso que os fabricantes costumam anunciar uma câmera e megapixels. Embora isso seja verdade até certo ponto, o tamanho do sensor também é importante. Sensores maiores irão captar mais luz, tornando-os melhores desempenhos para cenas com pouca luz. Agregar muitos megapixels em um sensor pequeno realmente piora a qualidade da imagem, porque esses pixels individuais são muito pequenos.

Colocando em prática: como usar uma câmera

Todas as câmeras modernas usam uma lente e sensor (ou filme) para gravar uma imagem. Mas por que então duas pessoas podem tirar uma foto da mesma cena e acabar com resultados muito diferentes? Uma câmera é um pouco mais do que uma lente e um sensor, e ajustar esses elementos extras muda a aparência da imagem final.

Uma maneira de as imagens se tornarem únicas é por meio da composição. A camera&rsquos lens is incapable of seeing everything &mdash composition is simply a term that is used to describe what the photographer chooses to leave in, and what they chose to leave out. Adjusting composition is often as easy as moving around in a scene &mdash think moving forward or backwards as well as side to side or even kneeling or standing on a chair. Small changes in the camera&rsquos position can make a big impact on the photograph.

Lenses can also help alter a photograph&rsquos composition. With zoom lenses, the glass is assembled in a way that allows the user to adjust how close or far away the item appears. On a compact camera, zoom is often done with a small toggle at the top of the camera, while DSLR and mirrorless lenses have a twist control around the lens. Zoom is an excellent tool for cropping out distracting objects.

Another important aspect of photography is exposure, or how light or dark the image is, and it relies on a number of different factors that, put together, determine how much light is recorded.

Digital cameras have a built-in meter that measures the amount of light in a scene. While on auto, the camera&rsquos computer chooses the correct exposure. While auto mode is not perfect and doesn&rsquot allow you to customize the final look of the photo, you can shoot a properly exposed image (most of the time) by selecting &ldquoauto&rdquo mode inside the camera&rsquos menu or, on more advanced cameras, a mode dial at the top of the camera.

Newbie photographers can still adjust the exposure without learning manual modes through exposure compensation. This feature simply lightens and darkens the image. On advanced cameras, exposure compensation is often adjusted by pressing the button with a + and - sign on it and turning the dial near your right thumb. The feature isn&rsquot exclusive to advanced cameras though &mdash on an iPhone, you can tap the screen, then touch the sun icon that appears and drag your finger up and down.

Once you&rsquove chosen an exposure mode (likely auto for new photographers) and determined what to include in the composition, just press the button at the top right of the camera, right? Yes &mdash and no.

Pressing the top button (the technical term is shutter release) all the way will take a photograph, but pressing it halfway will focus the shot. Looking through either the hole at the top of the screen (which is called a viewfinder) or at the camera&rsquos LCD screen, press the shutter release halfway. Check and see that what you want to be in focus (the &ldquosubject&rdquo) is actually in focus, then push the shutter release all the way to take the photograph.

Using a digital camera, the photograph you just took will appear on the LCD screen. If it doesn&rsquot pop up automatically, press the button with the play symbol to bring up the photos you shot &mdash you can use the arrow keys to flip through them. Thanks to that digital technology, you can view your images and reshoot them if you don&rsquot like the composition or need to adjust the exposure compensation

While technology allows you to take a photograph with the touch of a button, it wasn&rsquot always that way. Cameras collect and record light using some pretty neat science and advanced technology. The time machine may be science fiction, but the camera can freeze memories to last forever.

Want to do more than just point and shoot? Own a DSLR yet you&rsquore still stuck on auto mode? Learn how to use manual modes to take your photography to the next level.


How Cameras Work

Photography is undoubtedly one of the most important inven­tions in history -- it has truly transformed how people conceive of the world. Now we can "see" all sorts of things that are actually many miles -- and years -- away from us. Photography lets us capture moments in time and preserve them for years to come.

The basic technology that makes all of this possible is fairly simple. A still film camera is made of three basic elements: an optical element (the lens), a chemical element (the film) and a mechanical element (the camera body itself). As we'll see, the only trick to photography is calibrating and combining these elements in such a way that they record a crisp, recognizable image.

There are many different ways of bringing everything together. In this article, we'll look at a manual single-lens-reflex (SLR) camera. This is a camera where the photographer sees exactly the same image that is exposed to the film and can adjust everything by turning dials and clicking buttons. Since it doesn't need any electricity to take a picture, a manual SLR camera provides an excellent illustration of the fundamental processes of photography.

The optical component of the camera is the lens. At its simplest, a lens is just a curved piece of glass or plastic. Its job is to take the beams of light bouncing off of an object and redirect them so they come together to form a real image -- an image that looks just like the scene in front of the lens.

But how can a piece of glass do this? The process is actually very simple. As light travels from one medium to another, it changes speed. Light travels more quickly through air than it does through glass, so a lens slows it down.

When light waves enter a piece of glass at an angle, one part of the wave will reach the glass before another and so will start slowing down first. This is something like pushing a shopping cart from pavement to grass, at an angle. The right wheel hits the grass first and so slows down while the left wheel is still on the pavement. Because the left wheel is briefly moving more quickly than the right wheel, the shopping cart turns to the right as it moves onto the grass.

The effect on light is the same -- as it enters the glass at an angle, it bends in one direction. It bends again when it exits the glass because parts of the light wave enter the air and speed up before other parts of the wave. In a standard converging, ou convex lens, one or both sides of the glass curves out. This means rays of light passing through will bend toward the center of the lens on entry. In a double convex lens, such as a magnifying glass, the light will bend when it exits as well as when it enters.

This effectively reverses the path of light from an object. A light source -- say a candle -- emits light in all directions. The rays of light all start at the same point -- the candle's flame -- and then are constantly diverging. A converging lens takes those rays and redirects them so they are all converging back to one point. At the point where the rays converge, you get a real image of the candle. In the next couple of sections, we'll look at some of the variables that determine how this real image is formed.­

We've seen that a real image is formed by light moving through a convex lens. The nature of this real image varies depending on how the light travels through the lens. This light path depends on two major factors:

o angle of light entry changes when you move the object closer or farther away from the lens. You can see this in the diagram below. The light beams from the pencil point enter the lens at a sharper angle when the pencil is closer to the lens and a more obtuse angle when the pencil is farther away. But overall, the lens only bends the light b­eam to a certain total degree, no matter how it enters. Consequently, light beams that enter at a sharper angle will exit at a more obtuse angle, and vice versa. The total "bending angle" at any particular point on the lens remains constant.

As you can see, light beams from a closer point converge farther away from the lens than light beams from a point that's farther away. In other words, the real image of a closer object forms farther away from the lens than the real image from a more distant object.

You can observe this phenomenon with a simple experiment. Light a candle in the dark, and hold a magnifying glass between it and the wall. You will see an upside down image of the candle on the wall. If the real image of the candle does not fall directly on the wall, it will appear somewhat blurry. The light beams from a particular point don't quite converge at this point. To focus the image, move the magnifying glass closer or farther away from the candle.

This is what you're doing when you turn the lens of a camera to focus it -- you're moving it closer or farther away from the film surface. As you move the lens, you can line up the focused real image of an object so it falls directly on the film surface.

You now know that at any one point, a lens bends light beams to a certain total degree, no matter the light beam's angle of entry. This total "bending angle" is determined by the structure of the lens.

In the last section, we saw that at any one point, a lens bends light beams to a certain total degree, no matter the light beam's angle of entry. This total "bending angle" is determined by the structure of the lens.

A lens with a rounder shape (a center that extends out farther) will have a more acute bending angle. Basically, curving the lens out increases the distance between different points on the lens. This increases the amount of time that one part of the light wave is moving faster than another part, so the light makes a sharper turn.

Increasing the bending angle has an obvious effect. Light beams from a particular point will converge at a point closer to the lens. In a lens with a flatter shape, light beams will not turn as sharply. Consequently, the light beams will converge farther away from the lens. To put it another way, the focused real image forms farther away from the lens when the lens has a flatter surface.

Increasing the distance between the lens and the real image actually increases the total size of the real image. If you think about it, this makes perfect sense. Think of a projector: As you move the projector farther away from the screen, the image becomes larger. To put it simply, the light beams keep spreading apart as they travel toward the screen.

The same basic thing happens in a camera. As the distance between the lens and the real image increases, the light beams spread out more, forming a larger real image. But the size of the film stays constant. When you attach a very flat lens, it projects a large real image but the film is only exposed to the middle part of it. Basically, the lens zeroes in on the middle of the frame, magnifying a small section of the scene in front of you. A rounder lens produces a smaller real image, so the film surface sees a much wider area of the scene (at reduced magnification).

Professional cameras let you attach different lenses so you can see the scene at various magnifications. The magnification power of a lens is described by its focal length. In cameras, the focal length is defined as the distance between the lens and the real image of an object in the far distance (the moon for example). A higher focal length number indicates a greater image magnification.

Different lenses are suited to different situations. If you're taking a picture of a mountain range, you might want to use a telephoto lens, a lens with an especially long focal length. This lens lets you zero in on specific elements in the distance, so you can create tighter compositions. If you're taking a close-up portrait, you might use a wide-angle lens. This lens has a much shorter focal length, so it shrinks the scene in front of you. The entire face is exposed to the film even if the subject is only a foot away from the camera. A standard 50 mm camera lens doesn't significantly magnify or shrink the image, making it ideal for shooting objects that aren't especially close or far away.

A camera lens is actually several lenses combined into one unit. A single converging lens could form a real image on the film, but it would be warped by a number of aberrations.

One of the most significant warping factors is that different colors of light bend differently when moving through a lens. Esse chromatic aberration essentially produces an image where the colors are not lined up correctly.

Cameras compensate for this using several lenses made of different materials. The lenses each handle colors differently, and when you combine them in a certain way, the colors are realigned.

In a zoom lens, you can move different lens elements back and forth. By changing the distance between particular lenses, you can adjust the magnification power -- the focal length -- of the lens as a whole.


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How does this test work? How does it test webcam capabilities?

In this test your browser asks for permission to see the output of your computer&aposs webcam, or the browser on your phone asks for permission to see the output of the camera - and the output is then transferred to your screen.

That makes it easy - if you see the cam video then you know it&aposs working and connected.

As was mentioned above, everything that happens happens in your computer and no information is being sent to our servers. We care about your privacy.

To the more techy among us: this test is built simply with Javascript, HTML5 and CSS, and is 100% on the client-side.

Why do you only test FPS and the camera&aposs video output? My webcam can also record sound.

True, some cams have a microphone built-in as well. But since that is not the case for everybody (and also for historic reasons), we decided to separate the audio and video to two different tests. If you&aposre looking to check if the audio of your webcam works, please check our mic test page.

Speaking of which. What exactly is FPS, and why is it important?

FPS is the number of frames, or images, that your webcam is taking and transmitting every second. This number is affected by the type of webcam that you have, and also by the speed of your computer and the number of tasks that it is engaged in at a given moment.

FPS matters because the higher this number is the more life-like and real the resulting video looks. We are used to seeing movies in the cinema and TV shows displayed at around 24-30 FPS. Generally the FPS of television is higher than that of the cinema.

So if, let&aposs say, you&aposre using Skype and the FPS your camera is recording is lower than 24, then that means that the image is going to look a little stuttery to the other side.

A number significantly higher than 30, meanwhile, just means that the video will be more fluid, more lifelike. This fluidity might seem a little odd to our eyes which are accustomed to 24-30 FPS, but generally a higher FPS count is a good thing. It will just look a little less "cinematic", and a little more "daily soap opera".

What do I do if after all the trouble-shooting stages my webcam still isn&apost working?

To understand whether the problem is with the webcam or with your computer, we would advise that you try your webcam on a different computer. Also, if you have access to one, try a different camera at your own computer.

This should leave you with a better understanding on what&aposs working and what isn&apost, and what needs to be fixed.

If you think the camera isn&apost working (you tried it on two computers and it didn&apost work), then contact the support staff of the camera&aposs brand.

If the camera is working on a different computer but isn&apost working on yours - then it means there&aposs probably a software issue with your computer. You can try contacting us and we&aposll try to help, hopping on a general tech support forum on the internet, or calling a technician.


An Interesting Side-Note

The red-eye effect happens because the light of the flash occurs too fast for the pupil to close and much of the very bright light from the flash passes into the eye through the pupil. The light then reflects off the back of the eyeball and out through the pupil.

The camera records this light. Since the light goes through the blood in the choroid which nourishes the back of the eye, the color of the eye is red, hence this annoying effect everyone is aware of. Various techniques are available to combat the problem today, but it's interesting to know why it occurs!


Assista o vídeo: Trabalho Profissõesartes:Operador de Câmera 3L